Conclusión sobre la belleza

En este proyecto sobre la belleza hemos tratado cuatro ámbitos: pintura, literatura (poesía visual), tipografía y caligrafía y reciclaje.

Gracias a estos diversos puntos de vista hemos comprobado que no existe un única belleza, que esta depende de cada individuo e incluso de cada momento.

Respecto a la pintura, hemos descubierto numerosos artistas turolenses, que antes de empezar con esta búsqueda no conocíamos. Algunos dirigían sus obras hacia marcas publicitarias. Otros, han plasmado sus sentimientos en sus cuadros, provocandonos alegría, o escalofríos dependiendo de los colores e imagen utilizados.

En literatura, en un pricipio pensabamos centrarnos únicamente en la poesía visual, pero como este campo en Teruel era bastante limitado lo hemos relacionado con otras áreas como la pintura, los fanzines de Inma Saenz o el humor gráfico de Joaquín Macipe. Por otro lado, también hemos incluido una poesía de Álex Mirasol que aporta a su página web para describir su obra. 

Sobre reciclaje nos hemos centrado en escultura, realizadas con material metálico. Los artistas lo trabajan y crean diferentes formas. Son piezas de distintos tamaños, algunas de ellas decoran las rotondas de diversas localidades.

En cuanto a tipografía y caligrafía hemos encontrado una tipografía nacida en Aragón con un carácter renovador pero con influencias de la caligrafía de pergamino, también hemos rastreado los libros de nuestros abuelos y su caligrafía.

Con todo ello podemos decir que ha sido un proyecto muy enriquecedor y "bello" en el que hemos descubierto aspectos realmente interesantes que a simple vista no tenemos en cuenta de Teruel.

Armonía

Cuadro en óleo de Alicia Arnau

Alicia Arnau es una artista aficionada, nacida en La Puebla de Valverde, que estudió enfermería y posteriormente se especializó. A día de hoy es matrona.
Cuando empezamos con este trimestre le comente de que trataba y si me podía ayudar, accedió enseguida. Me proporcionó nombres de pintores turolenses y me dio alguna información. Cuando le dije que también quería hablar de su obra se quedó parada y no sabía bien que decir, por supuesto respondió con un sí. Después de mostrarme algunos de sus cuadros le pregunté que era para ella la belleza, dijo que tenía que pensarlo y esto fue lo que me envió al día siguiente: "No es fácil hablar de lo que significa esta palabra... cada uno lo sentirá de una forma diferente. Yo te describo lo que es para mí. Para mi "belleza" es sentir la armonía en lo que ves, lo que escuchas, lo que tocas o lo que hueles. Quizás sea que existe un orden superior que escapa a nosotros y que admiramos porque simplemente es perfecto como es. Y a la vez en una misma persona existen momentos en que eso se percibe y otros en los que estamos menos receptivos o más ensimismados o atareados y simplemente no lo vemos."

Cuadro en óleo de Alicia Arnau.

En sus cuadros así lo plasma, se respira armonía y acción a la vez, la composición cromática tiene un orden. La luz está muy bien captada.
Como la belleza no tiene una forma definida, podría hablar de que ella es en sí bella, muy sensorial y por ello en sus obras tiene un peso importante lo que transmiten los sentidos, casi podemos oír la música que suena para la bailarina y como chirrían las puntas contra el suelo; u oler el mar, casi nos da miedo estar tan cerca de las olas.
Es una obra que plasma la realidad y que principalmente transmite sensaciones intensas.

La belleza de las letras

"Libro de historia" de José Arnau

La caligrafía es un aspecto que con la informatización y tecnología hemos dejado de lado y le hemos quitado importancia. Nuestros libros, los trabajos, las exposiciones en clase, todo esta hecho mediante ordenador con una tipografía u otra. Solo se salvan los apuntes, pero esta letra es cada vez peor por la velocidad a la que anotamos y el descuido de esta.

Firmas de la familia Arnau

Apuntes escolares de José Arnau

Sin embargo, hasta  hace pocos años esto no era así. La caligrafía era algo muy personal, artístico y necesario. La imagen de la izquierda pertenece al "libro de historia" de José Arnau. José Arnau nació en 1930 en La Puebla de Valverde. Una de sus cualidades es la dedicación y el buen hacer. Prueba de ello es esta hoja en A3, la hizo durante su corto periodo escolar. Llama la atención la letra, por supuesto es hecha a mano aunque no lo parezca. Yo misma me quede asombrada al verlo, cómo un chiquillo de alrededor de los 10 podía escribir de tal manera e ilustrar en cada hoja con sumo detalle. En esta hoja hablaba de la España romana y curiosamente, como en las demás, hacía referencia a la religión cristiana o a Jesucristo.

Dado que sabía el filón que tenía en casa le anime a que hiciera alarde de su cualidad, me habló de los tipos de letra que sabía hacer. Me dijo que hacía mucho tiempo que no escribía de manera especial y me advirtió de que no estaba seguro de que le saliera bien pues el escribía con pluma y tinta. Le proporcione un boli casual y me escribió en letra redondilla "Belleza" porque así se lo pedí. Cada letra la fue dibujando y dando pequeños trazos, cuando terminó le dije lo bonita que era y mi abuelo con su humildad y pocas palabras dijo que había hecho lo que había podido y que nadie le había dado valor a su obra.

Después de este pasaje visité a los hijos de José, mis tíos y mi padre, y les pedí que siguieran el ejemplo por orden cronológico de nacimiento. En una sola palabra no se puede apreciar demasiado bien. Pero puedo asegurar que todos ellos tienen una caligrafía de la que pocos pueden presumir hoy en día.

Las firmas también son algo peculiar, todas tiene algo parecido entre ellas y son pequeños dibujos y una seña de identidad.

Taras

Las tAradas es un colectivo artístico compuesto por la mallorquina Mariaema Soler y la zaragozana Marta Fuertes, se conocieron en Barcelona estudiando Bellas Artes, allí nació el colectivo.

AUTORRETRATO, las tAradas

El nombre es realmente curioso, hace referencia a una tara como defecto de fabricación y también como falta de cordura. Este nos señala una obra humorística, llena de símbolos e imágenes que no son dibujadas habitualmente haciendo crítica social mediante la autocrítica.

En sus obras muestran la faceta más ridícula, fea y vergonzante del individuo. Representan espacios del día a día, domésticos, que no suelen ser objeto habitual en el arte.

Predomina el color rosa en sus obras, lo manufacturado y la pasión por el detalle. Este color nos inspira feminidad, lo utilizan como contraste ya que lo que se plasma es una imagen cotidiana de un mujer. También critican los cánones de belleza y los estereotipos de mujer establecidos en la sociedad.

A estas artistas las hemos relacionado con Teruel tanto por su reciente beca de la Diputación de Teruel, la cual les da financiación para realizar su proyecto durante dos años, y también por su exposición Gula que estará del 24 de marzo al 24 de abril en Alcañiz.

Además de exponer, venden sus obras en su página web (http://lastaradas.com/shop/), todas ellas son ediciones limitadas y su precio nos es muy elevado. Actualmente se pueden encontrar dibujos de su última exposición, grabados sobre platos y una simulación de galletas realizadas en impresión digital.

También cabe destacar que sus exposiciones no se limitan al ámbito nacional, pues han expuesto en Países Bajos y Finlandia. Tampoco se limitan en el ámbito artístico al dibujo, van más allá creando incluso vestidos con materiales como toallitas desmaquillantes.

La Capilla Sixtina Mudéjar

Catedral de Santa María de Mediavilla de Teruel

El arte mudéjar es abundante en Teruel, además de nuestras famosas torres, destaca la gran techumbre de la catedral. Su originalidad y su belleza han conseguido que sea catalogada como "La Capilla Sixtina Mudéjar".

Está elaborada con armadura de par y nudillo y es única en Aragón. Tiene función estructural, algo atípico en este tipo de construcciones: sostiene la parte superior de la nave y consolida la estructura. Se pueden observar elementos históricos, religiosos y costumbristas. Mide 32 metros y data del siglo XIV. Esta techumbre no ha estado siempre como se encuentra actualmente, fue tapada con un falso techo neoclásico en el siglo XVIII, gracias a este se han conservado las pinturas. Además, durante la Guerra Civil, fue dañada, teniendo que ser restaurada (aunque con imágenes no muy afortunadas, que delatan su procedencia moderna). En la catedral conviven numerosos estilos, según los gustos de la época, plasmando así el paso del tiempo.

Dibujo simbolista

"Madre Naturaleza", Isabel Martín

Isabel Martín (Teruel), es una joven artista que se dedica al dibujo. Usa múltiples técnicas para llevar a cabo sus obras.

Todas ellas plasman sus sentimientos en el momento de la realización del dibujo: cuando sus ánimos son bajos los colores usados son oscuros y lúgubres, en cambio cuando le sucede lo contrario usa colores muy vivos que incluso pueden llegar a parecer de un mundo mágico.

Tiene gran habilidad para realizar retratos humanos, sobre todo los ojos transmiten gran vitalidad.

En este caso se trata de un dibujo realizado con pastel, sobre papel marrón. Simboliza a la Madre Naturaleza, en forma de mujer y entre sus cabellos se encuentran algunas de las maravillas que podemos encontrar a nuestro alrededor. Muestra el sol y la luna dando a entender que en ambas está presente esta figura.

No suele conformarse con el aspecto de sus obras y suele mejorarlas una y otra vez, dibujando encima de lo anterior y cambiando sus colores.

Su trayectoria como dibujante viene desde que era niña, aunque su temática ha ido variando a lo largo de la vida, actualmente su obra es mucho más sentimental y muestra los adentros de su persona. Logra captar paisajes con colores fantásticos que aunque no es posible encontrarlos en la vida real, se asemejan a nuestros sueños.

Momento vivido

Recuerdo, De los adentros, Luis Loras

Luis Loras, zaragozano que reside en Teruel,  es licenciado en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia.

Su obra es autoexperiencial e intenta mostrar a su público las profundidades del alma, haciendo de ellos en muchas ocasiones un sentimiento universal.

Tiene numerosas series, en cada una de ellas usa una técnica y temática diferentes. En ocasiones se puede visualizar un simbolismo en su obra, pero al ser subjetiva y mostrar elementos de sus adentros,  puede llegar a ser muy dificil la interpretación.

En esta ocasión, la obra que mostramos pertenece a la serie De los adentros (2007), en la cual usa un estilo neopop con un arriesgado intento por sacar a la superficie las profundidades del alma.

En esta imagen se transmiten emociones en dos vertientes: primero, el hombre que aparece, mediante sus gestos nos transmite angustia o desesperación, y segundo, las palabras superpuestas sobre la figura humana, las cuales expresan una definición de recuerdo. Pueden estar ambas vertientes relacionadas, ya que las expresiones adoptadas por el personaje pueden deberse a un recuerdo.

Los colores utilizados en esta obra ayudan a empatizar con el dolor del hombre, ya que son oscuros y sombríos.

Tipografía de festival

Logo festival Trincheras Rock 2015, Sarrión

Trincheras Rock es un festival de música Rock que tiene lugar todos los años, desde hace cuatro, en Sarrión.

Logo Rolling Stones, Shepard Fairey

Se puede deducir que se le ha dado este nombre debido a la historia del pueblo, Sarrión fue un núcleo de conflicto durante la Guerra Civil española, así que muchos milicianos estuvieron librando esta batalla desde trincheras.

Respecto a este nos llama la atención su logo, el cual nada más verlo nos evoca al de los Rolling Stones, por sus colores y forma.

Podemos ver el nombre del festival rodeando una mano en forma de cuernos, como símbolo de dicho tipo de música, que se encuentra en primer plano, justo detrás y como si fuera una sombra se aprecia el esqueleto de esta. Además en la muñeca podemos ver una pulsera de pinchos, en color rojo, que llama la atención por ser el único elemento en color de todo el conjunto. Entre el nombre del festival y la mano vemos que delimita el círculo  un alambre de espino, como en las propias trincheras.

Pancarta fans concierto Rainbow

La tipografía se puede destacar por asemejarse a una letra realizada con plantilla. Da una sensación descuidada o desgastada ya que algunas tienen borrones que hacen difuminar la propia letra.

Si visualizamos pancartas de conciertos, logos u otros carteles relacionados con el rock, todos poseen este mismo aspecto de desgaste, como si estuviera realizado sin demasiado detenimiento como si se tratara de una pintada de grafiti de la calle.

Fanzine en paquetes de tabaco

Imbécil nº1, Inma Saenz

Inma Saenz, pintora descendiente de Teruel, donde ha expuesto en numerosas ocasiones, realiza sus trabajos con bolígrafo y con acrílico sobre tela. Sin embrargo de toda su obra lo que más nos ha llamado la atención es el Fanzine, que es una publicación temática realizada por y para aficionados, uno de los tipos de Zine (de magazine, se refiere a una pequeña publicación a modo de revista, de pequeña difusión). El desarrollo de esta actividad no suele ir acompañado de remuneración económica, siendo los fanzines tradicionalmente gratuitos o con un coste mínimo para pagar los gastos de producción.

Hace uso de la forma de los paquetes de tabaco de liar para elaborar su fanzine. En un primer golpe de vista parecen normales, ya que visualmente tienen el mismo aspecto que algunas de las marcas más conocidas de tabaco, sin embargo cuando te paras a leer detenidamente ves que no se trata  sino de una ingeniosa idea artística.  

Imbécil nº 2, Inma Saenz

Los titula "imbécil"; donde debería situarse el mensaje de aviso al consumidor sobre las consecuencias de su consumo, encontramos una frase, en el primer caso, "este fanzine perjudica seriamente la ignorancia", haciendo, con este mensaje, una llamada de atención, tanto al fumador de tabaco como al que no valora la cultura. En el segundo caso su mensaje es "sin perdón", quizás también dirigido hacia dos vertientes, las personas cercanas a fumadores suelen insistirle en que abandone el vicio, si a este le pasara algo ellos adoptarían esta idea del no perdón y a la gente que desprecia el arte, para un artísta no tiene valor su opinión.

Lo que encontramos en su interior no es menos llamativo, chapas, dibujos de Inma e incluso un carta dirigida a ese "imbécil".

Así crea una orginial forma de arte crítico y creativo, que hace imposible no pararse a mirarlo. Consigue hacer que este Fanzine sea algo extraordinario.

Humor gráfico

Joaquín Macipe realiza obras en diferentes ámbitos: pintura, ilustración, escultura y grabados.

Ilustración, humor gráfico, Joaquín Macipe

Dentro de la ilustración, cabe destacar el humor gráfico empleado en viñetas de cómic. Todas ellas tienen una fuerte crítica social, dirigida a diferentes clases sociales. Ridiculiza a la SGAE, a banqueros, políticos e incluso se pone en la piel de los animales para reclamar las injusticias que viven. 

Muchos de sus dibujos hacen referencia al estado actual de la población española, los masivos recortes que se han producido.

En esta ilustración vemos aplicada la crítica a la sanidad, concretamente a la falta de epidural las 24 horas del día en el hospital de Alcañiz. Joaquín adopta una posición totalmente crítica, de denuncia ante estos recortes.

Es un humor ingenioso y directo que no deja indiferente a nadie.

¿Simbolismo o publicidad?

2004, Custo Barcelona, Arturo Elena

ArturoElena, diseñador especializado en moda, ha realizado campañas con numerosas firmas de renombre. Su trabajo se centra en la figura humana, tanto femenina como masculina, y da una visión muy estilizada de la anatomía humana.                                              

En este caso aparece una mujer, vestida con un mono marrón y a su espalda se puede ver un paracaídas al final de su trayectoria, cuando está ya ha tocando suelo.El artista resalta su color con un tono naranja y ocupa casi todo el fondo de la imagen. 
La mujer muestra una actitud altiva, con la barbilla elevada, podemos interpretar que se trata de la superación de un reto. Esto puede evocar la actitud luchadora que ha tenido la mujer a lo largo de la historia para lograr obtener sus derechos y que sus méritos fueran reconocidos como los de un hombre.                                 

Sin embargo dado que este autor trata con firmas, puede tratarse de publicidad, esta actitud lograría en el comprador un interés. Consigue manipular al público para obtener su fin, la venta del producto.

Clasicismo y modernismo en tipografía

Tipografía Valentina, Pedro Arilla

Pedro Arilla, diseñador gráfico, ha creado una tipografía llamada Valentina. Con ella ha sido finalista de los premios Josep Albert Mestre, ha logrado ser valorado como el most appreciated projects of 2012 en Behance y 100 Greatest Free Fonts Collection for 2012 en Awwwards.

El autor realiza esta tipografía en honor a su abuela, Valentina, sigue algunos de los cánones propuestos por Bodoni en el siglo XVIII pero incorporándole muchos de los rasgos característicos de los punzones castellanos de la época.

Esta tipografía es especial por su forma redondeada en todas sus letras, haciendo de ella un trazo elegante, simulando la escritura antigua y lo une a un carácter modernista, nos evoca a la arquitectura de finales del siglo XIX, principios del XX. Además se caracteriza por las ligaduras en las letras minúculas, también de forma circular. 

Es una tipografía completa que consta de 457 glifos en los que destacan 125 caracteres latinos alternativos en caja baja o las 46 ligaduras.

En la actualidad tiene un nuevo proyecto, en este caso le dará el nombre de Mestre.

Arte extraordinario con lo cotidiano

Nelson Mandela, retrato a boli Bic

Según el diccionario, pintura es el
arte de aplicar color a una superficie con el propósito de crear imágenes.
Y llené de pintura el lienzo,
y el lienzo tembló,
de su temblor surgieron imágenes,
y las imágenes llegaron a los ojos, y por los ojos inundaron corazones,
mi corazón también tiembla,
tiembla con la pintura,
tiembla contigo,
por eso tantas y tantas veces,
pinto para ti.

Así es como Alex Mirasol autodefine su obra, es un joven pintor turolense cuyos dibujos son bastante peculiares, destacando sobre todo sus retratos a boli Bic, los realizados con café y otros a carboncillo.
El uso del boli Bic en dibujo ha generado toda una corriente artística. Caracterizada por el hiperrealismo tanto que algunas veces parecen más que dibujos fotografías. El bolígrafo se considera una técnica grasa y el más usado para dibujos y retratos es el azul, con rojo,verde o negro se suelen resaltar algunos detalles.

Belleza en gris y negro

Raza, acrílico sobre lienzo
de José M. Abril

José Miguel Abril, aunque definido como escultor, tiene también varias obras en pintura. Nacido en Alcañiz (1974), se inició a la edad de 22 años en la escultura religiosa, quizá es por ello por lo que sus obras suelen estar referidas al ser humano, antropológicas. Podemos sentir como estas pinturas se salen del lienzo y nos arañan la cara con un soplo frío y desgarrador, evocan imágenes de muerte y dolor. Contribuye a ello los tonos grisáceos y las figuras abstractas que podemos encontrar. Algunas incluso producen miedo y nos referiremos así de una belleza que no nos trae buenas sensaciones pero que no podemos dejar de mirar y escrutar, sintiéndonos inversos en otra realidad. A mi parecer también puede tener relación con el mundo de los sueños, o mejor dicho con el de las pesadillas. 

Supongamos que este cuadro tiene inspiración en la emigración desde África y vemos el dolor y la proximidad a la muerte por la que pasa el emigrante. Los ojos en blanco y su mirada y su horizonte tiende hacia un brochazo negro. De su cabeza otro brochazo del que se escurre la pintura, puede que simbolice el recuerdo de la dureza de la vida en su tierra natal. Negro es el color de su piel, aunque en el fondo todos seamos grises.

Arte reciclado

Escultura de material reciclado

José Azul, escultor turolense, realiza sus obras con material reciclado. Este tipo de artistas nos hacen ver que la vida de una cosa que tenía cierta belleza puede servir para crear una nueva. Un alambre, un barril, metal sin ninguna forma puede llegar a crear esculturas que, no solo sean atractivas visualmente sino que, incluso, pueden simbolizar algún aspecto de nuestra vida cotidiana.

“Siempre hago un diseño previo para posteriormente ir creando con piezas de hierro recicladas como tubos de andamio, máquinas de coser, bidones de gasolina, y en algunas añado piedras de río o del campo” (José Azul).

Además consigue aunar lo industrial (metales, bidones) con lo natural (piedras), que podría significar la evolución humana, aspectos primitivos de las personas (simbolizados por las piedras) unidos a la enorme mecanización e industrialización del momento. Estas esculturas pueden crear una historia para cada uno que la visualice.

Vino y creación

Vino Rubus

Fijémonos en la evolución de las etiquetas de vino. Tienden cada vez a un diseño más artístico e ingenioso, que logre captar la atención del consumidor y deleitar en general la vista de todos.
En este caso en las bodegas Rubus, de Rubielos de Mora, encontramos un estilo minimalista, de un carácter original. Además de ser atractivo para nosotros logra que la sencillez se vea como algo realmente bello.
El cultivo de la vid ha sido una actividad habitual en la comarca de Gúdar, con este pasado centenario se junta en su etiqueta el contraste del diseño moderno y actual con la tradición.
La primera se trata de una simulación de una pequeña gota que resbala por el exterior de la botella, realizan este efecto troquelando el papel, lo que hace que a medida que el vino va descendiendo, el color inicial de este dibujo vaya transformándose al color del vidrio.

Vino Quercus Rubus

La segunda etiqueta tiene distintas variaciones, en cada una de ellas se puede realizar una interpretación, en lo que coinciden es en el uso de la circunferencia, a partir de la caída de una gota simulando las ondas de expansión en el líquido.
Estos dibujos, con base circular, podrían representar las situaciones en las que se toma una copa de vino. Oyendo una buena música (disco de vinilo), teorizando acerca de la vida (sistema solar) o en un ámbito relajado y familiar (hilo y aguja).
"Quercus", del latín, hace referencia al barril de madera de roble donde el vino logra adquirir sus cualidades. "Rubus", del latín zarzamora, hace referencia al pueblo Rubielos de Mora, donde se elabora. Adquiere de esta manera una sonoridad característica y un juego de palabras.

Simbología en la ilustración infantil

https://www.youtube.com/watch?v=60du18gQNQg

Alberto Gamón nació en Alcañiz en 1974, se dedica a la ilustración del ámbito infantil, ha colaborado en numerosos libros.

En los últimos años, también realiza talleres de ilustración para niños y adultos, y colabora en varios proyectos educativos.

Esta es una ilustración realizada para el número 8 de la revista cultural Jot Down magazine. Lo relacionamos también con poesía visual, ya que se puede ver un conjunto de casas, que podrían simular una ciudad o una nación, destaca un edificio que, además de por su altura, su forma nos da a entender que se trata de una iglesia, vemos representada en la ilustración el carácter de un país sometido al poder de la iglesia y del ejercito, una dictadura.

Otro elemento incluido en el uniforme son las condecoraciones o medallas que lleva colgadas a su izquierda, observamos que son 9, algunas están desprendidas y comprobamos que simula su colocación  en la realidad.

Chaos Ânima

José Luis Casino y Diego Ortiz, escultura de hierro “Chaos Ânima".

Hace unos años, en 2010, se inauguaró una exposición, "La Primera", que recopilaba trabajos de la primera pormoción de alumnos de la Escuela de Artes, en Teruel.

Los estudiantes las realizaron durante la materia de Proyectos, una asignatura multidisciplinar.

En esta exposición encontrabamos pinturas, vídeos, fotografías, esculturas, incluso un libro escrito por los alumnos, nosotras nos centraremos en el arte con materiales reciclados.

La escultura de la imagen simula una figura humana, colocada en una posición natural que hace que nos sea más evidente su forma y lo que nos quiere expresar. Podemos interpretar que el material dispuesto de esta manera imita los huesos y tendones de la anatomía humana. Representa la dependecia a las máquinas en la conducta humana.

No solo se trató de la primera exposicion de alumnos de Bellas Artes de Teruel sino que también fue la primera de la Universidad de Zaragoza en el Centro Social Ciudad de Teruel, de ahí el nombre "La Primera".

Salvador Victoria, collages y evolución a su pintura pura

Salvador Victoria

Salvador Victoria nacido en Rubielos de Mora (Teruel, 1928), pronto se transladó a vivir a Valencia. Ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos, Valencia. Período decisivo para su trayectoria artística.

 Se instala en París, donde entra en contacto con las corrientes abstractas de la época. Etapa informalista y confrontación. A finales del 64 regresa definitivamente a Madrid.

Sus obras son una mecla de óleos, cartulinas y diferentes texturas formando collages, tras esta etapa sus cuadros se convierten en obras monocromáticas.Paulatinamente va cesando el uso de materiales pegados, siendo el óleo sobre tabla el único elemento que va dando vida a sus cuadros. emplea colores de gamas cálidas mezcladas con tonalidades blancas y grises, aportando frialdad a la imágen.

PRE-AR (óleo)

Su obra cada vez se hace menos geométrica y el trazo es más suelto. La esfera se llena de signos y fuerza de color que recuerdan la gestualidad de sus años parisinos. En 1988 cuelga una restrospectiva en el Museo de Teruel.

Sus cuadros van depurándose paulatinamente hasta llegar al estado de su pintura más pura, despojada y silenciosa.

En 1994 contrae una enfermedad repentina, en Alcalá de Henares (Madrid), que le causa la muerte. Es enterrado en su pueblo natal.

Tiene una exposición permanente en el museo que lleva su nombre, Museo Salvador Victoria, en su pueblo natal.

Belleza, publicidad y poesía

Dolce & Gabbana S/S '15

Cristina Alonso (1989) es una jóven artista turolense que se dedica a la pintura, la belleza y la poesía visual.

Utiliza diversas técnicas, como lápiz, tinta, acuarela, mezcaldos con elementos digitales para realizar sus obras, haciendo de estas una muestra de delicadeza y feminidad, imágenes que parecen flotar sobre el papel, relacionando la belleza con la mujer, de rasgos finos e idealizada. Ha trabajado con empresas de ilustración, publicitarias, revistas e incluso vende sus dibujos.

Cristina es licenciada en Filología Hispánica en la universidad de Valencia y  en Ilustración en la Politécnica de la misma ciudad. También ha estudiado un postgrado de Ilustración profesional en la Escuela de Arte y Tecnología.

En sus obras predominan colores neutros y da puntos de color a las zonas que ella quiere remarcar. La mayoría de estas mujeres están maquilladas y aportan una visión sensual.

Utiliza la poesía visual en sus obras para realizar ciertas denuncias acerca da la figura femenina y su papel en la sociedad y realiza un uso de la publicidad en gran parte de sus ilustraciones.